LE PORTAIL DES FILMS
SUR PARIS ET LA REGION ILE-DE-FRANCE

La grande cité parisienne accueille dès le Moyen Age une foule de chanteurs ambulants. Dans Quasimodo, le bossu de Notre-Dame (William Dieterle, 1939), une troupe de bohémiens s'installe sur le parvis de la cathédrale : danses, acrobaties et chants animent les rues et entraînent la population dans une liesse bruyante. Un soir, dans la Cour des miracles, ils reprennent en chœur :

Les chanteurs et celles que l'on appelle alors les chanteresses investissent la ville pour déclamer leur répertoire et vendre leurs textes : séparés par quelques mètres, les uns entonnent des airs paillards, alors que les autres reprennent inlassablement de pieuses chansons. Jusqu'à la Révolution, ces artistes de la rue rejoignent des corporations de ménestrels ou de jongleurs. Le documentaire de Guy Lejeune Vie quotidienne et artistique sous la Révolution française revient sur cette période qui a consacré le chant populaire et citoyen.

Au XVIIIe siècle ouvrent les premiers cabarets : les amis se réunissent dans ces bars, qui deviendront très populaires par la suite. Situés en général en banlieue, où le vin est moins cher puisque non soumis à l'octroi, les cabarets accueillent, dans des salles parfois immenses, des publics variés. Souvent, au petit matin, des dizaines de tonneaux jonchent le sol, derniers témoins des festivités de la veille.

Probablement inspirés des cafés turcs, les cafés chantant, ou cafés-concert, apparaissent à Paris en 1740. Les clients peuvent assister à de petites saynètes, ou entendre le tour de chant de cantatrices d'opéra-comique. Sur les Champs-Elysées, la grande mode du caf' conc' est lancée, et chaque établissement engage son chanteur.

Willette, le Pierrot de Montmartre

En 1881, Rodolphe Salis, fils de distillateur, achète une salle minuscule située au 84 boulevard Rochechouart, et la transforme en cabaret. Un félin est peint sur la devanture du local par Willette, le Pierrot de Montmartre (Jean-Marie Drot, 1956) : le Chat Noir est né ; avec lui commence une grande période de créativité à Montmartre. Victor Hugo, Edouard Manet, Jules Vallès ou Emile Zola se rendent souvent dans ce nouvel établissement : les activités peu conformistes et les manifestes fantaisistes contribuent à faire du Chat Noir un lieu incontournable pour la communauté artistique. Fort de ce succès, l'extravagant cabaretier décide en 1882 de donner ce même nom d'animal à un petit journal hebdomadaire illustré. Emile Goudeau, président du club de poètes Les Hydropathes, est nommé rédacteur en chef du Chat Noir. La jeunesse française se passionne pour la chanson car elle peut désormais suivre à distance l'actualité musicale à Paris.

A cette époque, on entend résonner dans le ventre du Chat Noir des couplets morbides de Maurice Rollinat, maître de l'épouvante comique, ou de Jules Jouy, dont La Veuve fut reprise par Damia en 1935 :

Le chansonnier Maurice Mac-Nab, qui débute au Quartier latin, inverse la tendance, et après lui Aristide Bruant, Charles Cros, Victor Meusy, avec des airs bien plus légers :

Le succès du Chat Noir lui vaut d'être imité plusieurs fois : des anciens adeptes comme Aristide Bruant, Paul Delmet ou Jules Jouy tentent à leur tour de créer un lieu mythique. Plusieurs films évoquent le Lapin agile (auparavant Lapin à Gill, du nom de son propriétaire, André Gill) qui seul supporte la comparaison : l'ambiance des cabarets s'essoufle. Finalement, les poètes prennent l'habitude de déclamer leurs textes dans les petites salles enfumées des cafés, préférant aux cabarets l'ambiance plus intimiste des caf' conc'.

Aristide Bruant

Le passage du XIXe au XXe siècle se caractérise par une sorte d'euphorie générale. Le fourmillement artistique à Paris est à l'origine d'un véritable rayonnement culturel de la capitale, qui devient définitivement la ville de la Belle Epoque. Dans cette période de grand renouveau artistique, les divertissements changent vite, et on passe Du caf' conc' au music-hall (Claude Fléouter, 1988). Spectacle de variétés apparu en Angleterre en 1842, le music-hall débarque en France en 1867. Jusque-là, pour ne pas concurrencer le privilège des théâtres, les chanteurs de café-concert ne pouvaient être déguisés ni jouer la comédie. Pourtant le 1er février 1867, une chanteuse déclame des vers de Corneille et de Racine à l'Eldorado, devant un public médusé et séduit. Suite à cet événement, le décret assurant le privilège des théâtres est aboli, laissant la place au music-hall. En quelques mois apparaissent la Gaîté-Montparnasse, le Grand Concert Parisien, les Folies-Bergères et, en 1893, l'Olympia, premier établissement à s'intituler music-hall . Chanteurs, danseurs, acrobates se présentent sur scène : progressivement les caf' conc' tels que Bobino, le Bataclan et l'Alcazar se transforment en music-hall. Jean Renoir retranscrit dans French Cancan (1954) l'ambiance frivole et survoltée de ces nuits montmartoises.

Ce nouveau succès est vite remis en question : l'invention du cinéma bouleverse en effet les pratiques culturelles des français. Le music-hall doit se diversifier pour être plus attractif, les spectacles étant chers et demeurant réservés à un public fortuné où à des touristes émoustillés. Pourtant, par l'ironie du sort, c'est au Grand café, célèbre caf conc' du boulevard des Capucines, que les premières projections cinématographiques ont lieu en décembre de cette fameuse année 1895...

Casque d'or

A cette même période, les guinguettes se multiplient sur les bords de Marne : ces petits cafés populaires voient s'amasser des centaines de Parisiens. D'une maison à l'autre, l'ambiance est plus ou moins conviviale, et l'on peut rencontrer des personnages singuliers, aux mœurs parfois douteuses : c'est ainsi dans une guinguette de Joinville que quelques mauvais garçons croisent la jolie prostituée Casque d'or (Jacques Becker, 1952). Jusqu'aux années trente, la foule y vient pour boire et chanter des airs populaires : dans la première chanson filmée de l'histoire du cinéma, réalisée par Jean Dréville en 1933, Perchicot entonne A La Varenne, évoquant les dimanches des Parisiens au bord de la Marne. Ce rendez-vous devient une tradition, peinte par Pierre Auguste Renoir, décrite par Guy de Maupassant, et filmée par Jean Renoir dans Partie de campagne (1946). La mémoire populaire en a gardé une tendre nostalgie, et certains refrains sont encore connus des plus jeunes générations :

La chanson continue de se répandre dans différents coins de la capitale, comme le passage de l'Industrie ou La rue de la Gaîté qu'évoque Jean-Marie Drot dans la série Les heures chaudes de Montparnasse (1963) : c'est la grande époque de la gouaille parigote . Les vendeurs de journaux sollicitent les passants en leur annonçant les nouvelles du jour (Le crieur de journaux par Ricet-Barrier, Jean Bacque, 1950), tandis que les chanteurs de rues parcourent toujours Paris. Ils vendent des partitions illustrées, les petits formats , en fredonnant, ralliant la population autour d'eux... Paroles et musiques : 1 franc ! . Albert Préjean dirige une de ces chorales improvisées, Sous les toits de Paris (René Clair, 1930), en plein milieu d'un faubourg populaire. Quelques années plus tard, la capitale est envahie par les automobiles : les rues deviennent si bruyantes que les derniers chansonniers quitteront Paris à la fin des années soixante.

Les hallucinations d'un pompier

Les nouvelles chansons à la mode, comme Cach' ton piano, interprétée par Dréan, ou Dans la vie faut pas s'en faire, enregistrée par Maurice Chevalier en 1921, annoncent l'émancipation générale qui vient avec les Années folles. Le documentaire de Miréa Alexandresco et Henri Torrent, Les Années folles (1960), rend compte de la richesse créative de cette période. Après l'horreur de la Première Guerre, les mœurs commencent à changer : on accepte davantage la différence, on se passionne pour l'art nègre, pour le jazz. En 1928, année au cours de laquelle elle se produit au Folies-Bergère dans la revue Vent de Folie, Joséphine Baker provoque Les hallucinations d'un pompier. La population exulte : on est à l'heure de la dansomanie , et les cafés, restaurants et casinos sont autant de lieux réquisitionnés pour se dandiner.

La chanson illustre ces bouleversements au cinéma. Les clivages sociaux ne résistent plus longtemps à la mélodie, qui réunit dans Bric à Brac et Cie (André Chotin, 1931) les puces de Saint-Ouen, où œuvre Fernandel, et les résidences chics des antiquaires argentés. On découvre en 1936 le premier rôle d'Edith Piaf dans l'adaptation d'un des plus grands succès - et scandales - littéraires du début du siècle : Jalousie de Jean de Limur. La môme, figure de proue de la chanson réaliste, est déjà désarmante d'émotion et d'expression tragique. A ses côtés, toujours dans Jalousie, apparaissent Suzy Solidor et une certaine Arletty.

Celle qui, pour tous, incarne au mieux l'accent parigot, c'est sûrement la gouailleuse à "gueule d'atmosphère" : dans Circonstances atténuantes (Jean Boyer, 1939), Arletty interprète Comme de bien entendu avec son ton à la fois résigné et boudeur. On retrouve la verdeur de ce langage dans l'ensemble de ses films parmi lesquels Un chien qui rapporte (Jean Choux, 1931), où elle tient l'un de ses premiers rôles. En ces Années folles, la comédie est légère, et parmi les autres personnages gouailleurs du moment, on retrouve Mistinguett (Rigolboche, Christian-Jaque, 1936) et son Momo, Maurice Chevalier (Aimez-moi ce soir, Rouben Mamoulian, 1932). Les refrains qu'ils entonnent ravissent toute une génération, et constituent bientôt un vaste répertoire de chansons populaires.

La chanson devient un élément clé du cinéma, particulièrement dans les années trente, et des cinéastes comme Jean Renoir (La règle du jeu, 1931) ou René Clair (Quatorze juillet, 1932) expriment la morale de leurs films en grande partie à travers elle. L'arrivée sur les écrans des premières vedettes de la chanson confirme la donne ; le public réclame désormais ses interprètes favoris...

Une heure près de toi

Une autre coïncidence ? Le cinéma sort de son mutisme avec Le chanteur de Jazz en 1927, qui raconte les efforts d'un jeune homme pour devenir chanteur comme son père. Si la révolution du parlant confirme le rôle déterminant de la parole, elle consacre aussi très tôt l'accompagnement en chanson... pour le plus grand malheur de certains acteurs, qui ne se résignent pas à saisir cette nouvelle opportunité technologique ! C'est ce que dévoile Marcel Blistène dans son Etoile sans lumière (1945) : une vedette du cinéma muet déséspère à l'idée de se faire doubler, pour le chant, par sa domestique. Premières apparitions au cinéma d'Yves Montand et de Serge Reggiani, et un rôle magnifique pour Edith Piaf, qui révèle une justesse d'interprétation, en tant qu'actrice et lorsqu'elle chante :

Puis vient l'époque de la TSF, décrite par Marcel Paul dans Les surprises de la radio (1937). C'est aussi l'arrivée des premiers disques, et des salles de cinéma fleurissent un peu partout en France. La médiatisation des stars s'accentue : nombre d'interprètes passent devant la caméra, et de plus en plus de disques sont édités à la gloire du film parlant. Après ses débuts à l'Alcazar de Marseille et aux Folies-Bergères, Maurice Chevalier s'en va conquérir les Etats-Unis : le "French lover" y tourne pendant sept ans, et participe aux premières grandes comédies musicales, parmi lesquelles Une heure près de toi d'Ernst Lubitsch (1932). A son retour en France en 1935, il est accueilli comme une star. Aux Etats-Unis toujours, Ginger Rogers et Fred Astaire forment le couple mythique du cinéma chantant. Leurs aventures les emmènent parfois jusqu'à Paris, comme dans La grande farandole (H. C. Potter, 1939).

Le succès du film de chanteurs ne s'explique pas toujours par la qualité du scénario. Certaines œuvres servent avant tout la promotion de personnalités, et sont surtout un prétexte pour chanter : en 1956, Le chanteur de Mexico (Richard Pottier) consacre Luis Mariano en nouvelle idole. Des artistes de second plan deviennent aussi, pendant un temps, de véritables vedettes, comme ce fut le cas pour Georges Milton (Le roi du cirage, Pière Colombier, 1931).

Les années cinquante et soixante voient apparaître un cinéma renouvelé. La présence du chanteur est plus souvent justifiée par son charisme, sa capacité à incarner un personnage populaire : le spectateur voit en lui un être familier, qu'il connaît déjà grâce à la radio et aux disques. Et lorsqu'un chanteur parvient à jouer avec un tel charisme, il en résulte de grandes œuvres, des chansons cultes : Sous le ciel de Paris (Julien Duvivier, 1951), interprétée par Jean Bretonnière, est un poème qui sonne comme un hymne à la capitale. Le chant devient un élément central de la narration, et certaines interprétations hantent le récit : on se souvient en particulier du Tourbillon de la vie chanté par Jeanne Moreau dans Jules et Jim (François Truffaut, 1962).

Le désordre à vingt ans

Tout comme Montmartre, Saint-Germain-des-Prés a abrité de célèbres personnalités qui ont contribué à faire de Paris une capitale culturelle. Ce fragment du 6e arrondissement accueille depuis le XVIIe siècle gens de lettres et artistes. La musique y prend une place grandissante à partir de la Libération, avec l'épanouissement simultané du jazz et de la chanson moderne. Saint-Germain-des-Prés devient rapidement le berceau d'une culture contestataire, portée par des écrivains, comédiens et chanteurs qui en réaction aux horreurs de la Seconde Guerre dénoncent toute forme de violence et d'autorité. Jacques Baratier, dans Le désordre à 20 ans et Voilà l'ordre (1966), revient sur les grandes heures de ce mouvement générationnel. De jeunes inconnus débarquent , comme Marcel Mouloudji ou Léo Ferré, découvert par Cora Vaucaire.

D'abord peu apprécié par la Rive Gauche, Léo, le lion, l'anarchiste est finalement reconnu pour son immense talent d'auteur et d'interprète. Le poète monégasque reprend la thématique usée du Paris populaire pour en tirer des textes d'une authentique nouveauté. Pour celui qui chantait J'habite à Saint-Germain-des-Prés, Paris est une idée de liberté, un symbole de révolte, un espoir de révolution. Léo Ferré s'inscrit dans la tradition des Baudelaire, Villon, Nerval, Apollinaire dont il a mis en musique certaines œuvres. Ses chansons sont l'évocation charnelle d'une ville invitant aux déambulations nocturnes, le lieu de transgression de tous les tabous et les interdits :

Saint-Germain devient le lieu de rassemblement des poètes d'après-guerre : les terrasses du Café de Flore, des Deux Magots ou de la brasserie Lipp sont prises d'assaut. Dans Saint-Germain-des-Prés (1955), Orson Welles, dépéché par le New York Herald Tribune, fait à son tour découvrir ce petit village au cœur de Paris, avec ses "autochtones" habitués des terrasses des cafés, et ses "troglodytes" envahissant les caves... Ainsi parlait Boris Vian, ami de Jean-Paul Sartre et Miles Davis. L'auteur de J'irai cracher sur vos tombes demeure une figure clé de cette époque d'après-guerre, où chanson rime avec contestation et provocation. Ce touche-à-tout de génie est à la fois écrivain, poète, musicien, ingénieur, traducteur et chroniqueur de jazz. Ses oeuvres littéraires ne rencontrant que peu de succès, Boris Vian n'oublie pas ce qu'il considère à juste titre comme une vérité élémentaire : "primum vivere". De plus, ses problèmes de santé l'empêchent de s'investir pleinement dans une carrière de chanteur et de trompettiste. Pour gagner sa vie en restant artiste, il met son talent au service de la composition, et écrit une série de textes au vitriol. Le prince de Saint-Germain-des-Prés donne le ton, influençant et marquant à jamais chacun des artistes qu'il a rencontré. En 1954, Marcel Mouloudji interprète un de ses textes phares, Le déserteur, le jour même de la prise de Dien-Bien-Phu.

La même année, Boris Vian chante Les jardins de banlieue :

Juliette Gréco, figure incontestée d'une jeunesse engagée, chante au Tabou, une des fameuses caves du quartier. Toutoune , comme l'appelle alors Boris Vian, entame une carrière professionnelle en 1949, lors de la réouverture du Bœuf sur le Toit. Elle interprète des textes de Jacques Prévert, Raymond Queneau, Jules Laforgue, Françoise Sagan et collabore souvent avec le musicien Joseph Kosma. Puis la muse des germanopratins rejoint les plateaux de tournage, pour faire une de ses premières apparitions au cinéma dans un film de Jean Renoir, en 1956 : Elena et les hommes.

Ivo Livi, qui se fera appeler plus tard Yves Montand quitte Marseille en 1944 pour s'installer à Paris. Il fait ses premiers pas sur scène à l'ABC, à Bobino, aux Folies-Belleville ainsi qu'au célèbre Moulin-Rouge. Là, il passe en première partie d'Edith Piaf, qui prend sa carrière en main en décidant d'en faire un grand chanteur : après les chansons de cow-boys et les chansons d'amour, Yves Montand interprète des textes de Jacques Prévert. Perfectionniste et boulimique, il offre des prestations scéniques impressionnantes, où chaque geste, chaque détail a été mis en scène pour incarner au mieu l'esprit des chansons. Très vite, le septième art s'intéresse à ce phénomène, et Yves Montand tourne avec les plus grands : Claude Sautet (Garçon ! ; Vincent, François, Paul et les autres), Jean-Pierre Melville (Le cercle rouge), Constantin Costa-Gavras (Clair de femme), Henri-Georges Clouzot (Le salaire de la peur), Marcel Carné (Les portes de la nuit), Sacha Guitry (Napoléon) ou encore Jean-Paul Rappeneau (Tout feu tout flamme).

Tirez sur le pianiste

A la même période, un autre enfant de la balle fait un triomphe : premier chanteur qui ose exposer ses peines de cœur et afficher ses émotions, Charles Aznavour joue sur la corde sensible, et rassemble au fil des années un public toujours plus nombreux et fidèle. La poésie de ses textes évoque un homme fragile, parfois mélancolique, toujours émouvant :

Charles Aznavour, qui rêvait de devenir acteur, voit son vœu se réaliser en 1960 : il est choisi par François Truffaut pour interpréter le personnage de Charlie Kohler dans Tirez sur le pianiste. Le succès du film est tel que le chanteur dispose désormais d'une renommée internationale : en effet, quelque mois plus tard, il se produit au Carnegie Hall à New-York.

C'est Jacques Canetti, directeur des Trois Baudets et directeur artistique chez Philips, qui découvre Jacques Brel, en 1953, et l'encourage à s'installer à Paris. Les années suivantes, le jeune chanteur belge se produit au Trois Baudets et Chez Patachou, avant d'être annoncé à l'Olympia. Désormais, tout artiste ayant un peu d'ambition doit éprouver les planches du célèbre endroit. Construit en 1892 sur l'ancien emplacement des montagnes russes, l'Olympia est d'abord un music-hall, puis un cinéma, avant d'être racheté en 1952 par son plus célèbre propriétaire, Bruno Coquatrix. Ayant retrouvé sa vocation première, l'Olympia devient au bout de quelques années le nouveau temple de la chanson qui lance, parmi tant d'autres, Lucienne Delyle, Gilbert Bécaud... Monsieur 100 000 volts divertit le tout Paris : il chante, danse, compose pour le cinéma (La maison sous les arbres, René Clément, 1971), écrit l'Opéra d'Aran, qu'il présente au magazine 5 colonnes à la une en 1962.

Jacques Canetti continue de chercher de jeunes talents. En 1953, il produit le premier album de l'ami Georges Brassens. La tendre ironie du Sétois, son timbre de voix si particulier le conduisent au succès. Personnage incontournable de la nouvelle chanson française, Georges Brassens tourne avec René Clair dans Porte des Lilas (1957), dans lequel il joue son propre rôle. En 1954, Bruno Coquatrix offre l'Olympia au poète, qui conquiert définitivement le public parisien.

Le poinçonneur des Lilas

En 1954, le jeune Julien Grix, qui se fera appeler plus tard Serge Gainsbourg, offre Défense d'afficher à Pia Colombo avant de devenir interprète à son tour : il travaillera notamment avec Alain Goraguer, bras droit de Boris Vian. C'est le succès de son Poinçonneur des Lilas, grand tube de l'été 1958 chanté par les frères Jacques, qui lancera la carrière de l'artiste.

Le règne de la télévision précipite la chanson dans un tourbillon médiatique, qui commence avec la publicité. Le concept marche immédiatement, car il est plus simple de vanter les mérites d'un savon, d'un dentifrice ou d'une boisson sur un petit air entraînant. En témoignent plusieurs publicités pour La Samaritaine, ou bien encore La caissière du grand café, qui donnait le ton dès 1947 :

Le tour de chant de Sylvie Vartan

Cette tendance s'accentue dans les années soixante, qui marquent le début des yéyés : après le swing et le jazz, la musique américaine conquiert une nouvelle fois l'Europe avec Elvis Presley, Chuck Berry, Bill Haley... En France on se passionne pour ce rock n' roll qui enchaîne les Oh yeah ! . De jeunes artistes adoptent le style, le classement du hit-parade est inventé, et Johnny Hallyday, Jacques Dutronc, Sylvie Vartan ou le déifié Claude François s'en emparent les premiers. Même si certains chanteurs de la génération Salut les copains, tels Françoise Hardy, s'avèrent d'excellents auteurs-compositeurs, la chanson française se sent en danger : plusieurs artistes montent au créneau, mais seuls les plus grands chanteurs classiques résistent aux assauts de la vague yéyé. La jeunesse s'enflamme pour le rock, et les posters de vedettes recouvrent les murs des chambres d'adolescents.

A l'occasion de l'Exposition universelle de 1900, Charles Pathé avait présenté le phono-cinéma, permettant au public de voir et d'entendre ses célébrités préférées. Quelques années plus tard, le fameux juke-box apparaît pour la première fois dans les cafés et les kermesses. Grâce à cette boîte à musique améliorée, chacun peut danser et chanter sur des airs à la mode, en plein jour, sans être obligé d'attendre la sortie du vendredi soir pour montrer ses prouesses.

Dans les années soixante, la chanson gagne le petit écran avec l'invention du scopitone, dont le réalisateur Daidy Davis-Boyer reste une figure emblématique. Hybride du juke-box et du projecteur 16 mm, le précurseur du vidéoclip a connu ses jours de gloire en France à l'époque des yéyés. Malgré une courte carrière, le scopitone a su donner un avant-goût de l'audiovisuel en introduisant le concept image-son. De L'avventura de Stone et Charden à Salma de Dalida, en passant par Ville de solitude de Jean-Jacques Goldman, Dady Davis-Boyer, mais aussi Jean Bacque et Alain Brunet, ont su donner un charme tout particulier à ces vidéos teintées de romantisme et de nostalgie. Ce support à l'origine de nombreuses productions quelque peu ringardes a toutefois permis de mettre en images l'univers de chansons plus personnelles : Jacques Dutronc promène sa silhouette dans Le petit jardin, et la vidéo rend tout le charme et la dérision du texte de Jacques Lanzmann.

Les yéyés, c'est surtout l'époque des Idoles qu'évoque Marin Karmitz dans le documentaire qu'il co-réalise avec Paule Senguissen en 1964 : garçons et filles, de douze à trente ans, tous sont tentés par le monde du show-business. Sans doute parce que lorsque Sheila interprète Petite fille de Français moyens (1968), des milliers d'ados s'imaginent à leur tour sur la scène de l'Olympia. Il faut croire que peu de choses ont changé et que l'histoire se répète : la carrière de chanteur promet une ascension sociale qui continue de séduire les jeunes générations !

A l'époque de Salut les copains, plusieurs émissions télévisées tentent d'expliquer ce phénomène social : en 1963, Jean-Pierre Chartier consacre une émission spéciale de l'Avenir est à vous aux yéyés, à leurs habitudes, à leurs lieux de rendez-vous. Au cinéma, l'alerte est donnée, et des réalisateurs comme Marc'O tentent de prévenir les jeunes d'une éventuelle désillusion : sa version des Idoles (1968) est beaucoup plus engagée, et insiste sur le caractère éphémère et superficiel d'une carrière de chanteur.

Dans les années soixante-dix, on s'interroge toujours sur le star-system : des magazines de société sont consacrés aux nouveaux chanteurs de variétés, comme dans le reportage Ces nouveaux princes du hit-parade (1973), illustré par les exemples de Sheila et Ringo, Stone et Charden, Mike Brandt et Michel Sardou.

Rita Mitsouko chante Marcia Baila

Les années quatre-vingt consacrent le clip vidéo : de Julien Clerc aux Rita Mitsouko, en passant par Etienne Daho et son Duel au soleil, les artistes chantent Paris à tue-tête. Le format innovant du clip propose un univers, accompagne le chant par une illustration visuelle. Reprenant le principe du scopitone, l'intérêt du clip réside dans sa diffusion à la télévision : c'est en effet un produit de consommation de masse lié à de fortes exigences de promotion. En 1983, le journal Le Monde titrait : "Fils de Monsieur Cinéma et de Madame Musique,le vidéo-clip est né de la Télévision et a les yeux de Tante Publicité."

Concurrencé pendant quelques temps par la variété, le rock trouve un nouveau souffle avec le clip vidéo : on écoute Téléphone, Alain Bashung... mais aussi, dans un autre style, Cyndi Lauper, Vanessa Paradis, Louis Chedid, car le clip est indispensable à la promotion de toutes les chansons. Devenu le lieu privilégié d'innovations esthétiques et techniques, le clip vidéo connaît depuis un succès grandissant, notamment grâce au talent d'artistes éclairés comme Michel Gondry, vidéaste à la renommée internationale.

Aujourd'hui, des chanteurs comme Thomas Fersen témoignent de l'intérêt dont Paris fait toujours l'objet :

Quant au rock festif et engagé des Têtes Raides, il célèbre une ville insolente, tour à tour émouvante et révoltante :

Le groupe, originaire de la banlieue parisienne, composent en 2000 une chanson pour le film expérimental de Cathy Lee Crane, The girl from Marseilles.

La collaboration continue donc entre le cinéma et la chanson, sous diverses formes : alors que le jeune Faudel fait ses débuts d'acteur avec Audrey Tautou dans Le battement d'ailes du papillon (Laurent Firode, 2000), d'autres préfèrent rester hors-champ, comme M et Arthur H, qui prêtent leur voix aux personnages de Tous les i de Paris s'illuminent (Guillaume Casset, 1999).

Etoile sans lumière

Très vite starifié grâce au cinéma, le chanteur demeure un personnage troublant. Souvent interprète à la vie comme à l'écran, il devient une représentation plus ou moins fantasmatique de l'artiste... la vie de bohème séduit.

Le chanteur est d'abord généralement celui qui espère pouvoir chanter un jour ! Le cinéma a largement décrit depuis les années trente cette volonté de devenir un professionnel connu et reconnu par ses pairs. Dans l'étonnant Mirage de Paris (1932), le réalisateur Fedor Ozep dévoile les aspirations secrète d'une jeune provinciale, qui monte à la capitale pour débuter une carrière de chanteuse. Madeleine débarque à Paris dansune agence formant des vedettes , et découvre un univers peuplé d'individus sans scrupules. Souvent naïf, le personnage du chanteur évolue dans un milieu qu'il connaît peu, et côtoie parfois malgré lui des professionnels plus ou moins bienveillants. La petite provinciale jouée par Edith Piaf en fait les frais dans Etoile sans lumière (Marcel Blistène, 1945) : alors qu'elle est engagée depuis quelques semaines pour doubler la voix d'une ancienne star du cinéma muet, elle commence à se sentir bernée, et déclare : "Pourquoi qu'il l'emporte ma voix ? [...] Ca m'fait un drôle d'effet, c'est comme si on me prenait quelque chose de moi, c'est comme un peu d'mon coeur qui s'en va..."

Car s'il y a de la joie dans le métier de chanteur, il y aussi beaucoup de moments de désenchantement. Adieu aux rêves de gloire quand l'artiste rate son Rendez-vous avec la chanson (Stanislaw Bareja, 1969), qu'il se retrouve isolé, blessé par une réalité cruelle :

Le monde du spectacle ne laisse pas de place aux indécis, aux amateurs, et comme l'affirme l'agent d'Estelle de Pressendi, interprétée par Damia dans Tu m'oublieras (Henri Diamant-Berger, 1931) : "On oublie vite à Paris..." Pour autant, le désespoir ne dure pas souvent, et la fiction utilise fréquemment cette étape narrative comme un ressort de l'action : le personnage se ressaisit et, de nouveau plein de volonté, parvient à convaincre impresarios et producteurs pour finalement devenir une grande star. Dans La crise est finie(1934) de Robert Siodmak, c'est le couple formé par Albert Préjeanet Danielle Darrieux qui parvient au succès en montant une revue de music-hall, et ce malgré de nombreux obstacles.

Cette figure de l'artiste révélé, qui croit en son destin, se retrouve fréquemment dans le cinéma de l'entre-deux-guerres : Michel Chion parle de la voix de ce type de personnages comme celle "d'un trésor qui se cache sous un aspect populaire et commun", et qui, une fois révélé, permet de "faire voyager les personnages d'un extrême à l'autre de l'échelle sociale". Papillon fait partie de cette catégorie d'artistes : le personnage de Charles Trenet fait fi des recommandations de sa mère, qui lui expliquait que dans les autres métiers, "ils ne crèvent que de faim, alors que les artistes, ils crèvent de tout". Après avoir caché ses ambitions à sa famille, il s'assume pleinement, et oubliant ses anciennes galères, entonne finalement sa Romance de Paris devant un public conquis. Dans ce film réalisé en 1941 par Jean Boyer, l'acceptation de son statut marginal et son humilité conduisent le chanteur au succès : pas de réussite sans prise de risque, telle est la règle énoncée ici.

C'est en effet l'amour de son art qui doit compter avant tout, qu'importe ce qu'il peut avoir comme conséquences. Vivre dehors, quitter sa famille, tant pis, si c'est pour chanter à sa guise et finir par se produire sur scène. L'artiste s'adapte et s'accommode aussi bien des hôtels luxueux que des troquets sombres. Ainsi Zizi Jeanmaire danse aux Folies-Bergères (Un soir au music-hall, Henri Decoin, 1956), alors que Papillon, dans Romance de Paris, offre son récital sur scène… ou sur un échafaudage de travaux publics. La ville devient un village, où les bars et les salles enfumées sont autant de repères pour le chanteur : une intimité se crée entre la capitale et les bohèmes qu'elle accueille. Paris est personnifiée, et l'on parle à la ville, car elle seule peut comprendre les aspirations d'un artiste. Joséphine Baker clame :

Quant à Cléo, la chanteuse vedette de Cléo de 5 à 7 (Agnès Varda, 1962), elle propose que les rues de Paris portent le nom de chanteurs...

Jeanne et le garçon formidable

L'artiste interprète représente avant tout le cœur du chœur , celui qui touche la sensibilité du public, qui réunit la foule autour de lui : dans L'entreprenant Monsieur Petrov (Mark Sandrich, 1937), c'est le chant de Fred Astaire qui, le temps d'une scène, scande le travail des employés dans la cale d'un paquebot. Grâce à quelques interludes chantés, le spectateur se laisse griser. Même place au rêve, à l'imaginaire avec le crooner Maurice Chevalier et sa partenaire Jeannette McDonald, qui apportent charme et fantaisie à l'histoire féérique d'Aimez-moi ce soir (Robert Mamoulian, 1932). A la sortie du film, le succès est total, le public s'identifie à ce couple détonnant que l'on retrouve dans le film d'Ernst Lubitsch Une heure près de toi (1932).

Paroles et musiques permettent parfois d'aborder plus finement des sujets difficiles. Olivier Ducastel et Jacques Martineau ont par exemple fait le choix de la comédie musicale pour leur premier film, en 1997 : Jeanne et le garçon formidable conte l'histoire d'un jeune couple détruit par le sida. Dans ce long métrage, les personnages chantent l'ironie du sort, chantent la cruauté et le désespoir, en prenant à partie le spectateur, comme pour mieux s'adresser à lui, et faire en sorte qu'il se sente pleinement concerné. Dans un style plus léger, Woody Allen adopte la même approche avec Tout le monde dit I love you (1996) : c'est dans un Paris romantique que se joue la comédie de l'amour, et les anciens amants s'adressent avec nostalgie aux spectateurs pour raconter leur histoire. La comédie musicale fait ainsi son grand retour dans les années quatre-vingt dix ; la chanson devient le vecteur du récit, en favorisant les portraits croisés, comme dans On connaît la chanson (1997) d'Alain Resnais ou Haut Bas Fragile (1995) de Jacques Rivette .

Elément perturbateur, le chanteur apporte avec lui un souffle de libération. Loin des conventions, il fascine les foules, inquiète l'institution. En 1948, Ray Ventura et son orchestre participent à une émission de radio pirate dans Nous irons à Paris : avec l'apparition de nouveaux moyens de diffusion, il devient aisé de court-circuiter les discours officiels, de proposer des textes plus subversifs. La population se reconnaît dans des chansons désormais largement diffusées par les médias... à leur tour visés par certains textes. Car la chanson n'épargne rien ni personne, elle dénonce, et exprime parfois avec virulence le ras-le-bol et l'incompréhension de ces auteurs. Dans Tout le monde il est beau, tout le monde il est gentil (1972), le sarcastique Jean Yanne dresse un portrait sans complaisance de la société des années soixante-dix, en parodiant en chansons le monde des médias.

L'engagement du chanteur paraît d'autant plus émouvant hors de la fiction, révélant souvent un esprit rebelle, une âme écorchée. Le magnifique documentaire de Chris Marker La solitude du chanteur de fond (1974) laisse deviner la personnalité généreuse, le caractère entier d'Yves Montand : son interprétation du Chant des partisans, écrit par Maurice Druon et Joseph Kessel, reste un des plus bels éloges à la liberté d'expression :